Hornistin & Professorin

Frøydis Ree
Wekre

Frøydis hat durch ihre herausragende Karriere als eine der weltbesten Hornistinnen, als Professorin und als gefeierte kulturelle Persönlichkeit einen enormen Beitrag zur Kunst des Hornspiels und zum Repertoire der zeitgenössischen Musik geleistet.
Ihr einzigartiger Ton und ihre exzellenten Kommunikationsfähigkeiten haben Publikum und Komponisten weltweit in ihren Bann gezogen und zu zahlreichen Kompositionen geführt, die eigens für sie geschaffen wurden.

1941 in Oslo in eine Musikerfamilie hineingeboren, begann Frøydis ihre musikalische Ausbildung mit Klavier- und Geigenunterricht und war Mitglied des Juniororchesters des Norwegischen Rundfunks. Im Alter von 17 Jahren entdeckte sie ihre Leidenschaft für das Horn und die Idee, eine eigene Stimme im Orchester zu haben, was sie dazu veranlasste, zu diesem Instrument zu wechseln.

Sie setzte ihr Hornstudium in mehreren Ländern fort, darunter Schweden, Russland und die USA, und wurde dabei von geschätzten Lehrern wie Wilhelm Lanzky-Otto und Vitali Bujanovsky unterrichtet. Nachdem sie eine Stelle im norwegischen Opernorchester erhalten hatte, wurde sie 1961 Mitglied der Osloer Philharmoniker, wo sie 1965 schließlich stellvertretende Konzertmeisterin wurde. Im Jahr 1991 schied sie aus dem Orchester aus, um eine Vollzeitprofessur für Horn und Bläserkammermusik an der Norwegischen Musikakademie anzunehmen, wo sie zuvor eine Teilzeitstelle innehatte.

Als Pädagogin legt sie großen Wert auf ihre Rolle als Lehrerin, und viele ihrer Schüler haben später in bedeutenden Orchestern auf der ganzen Welt gespielt.
Sie wurde in mehreren Ländern zu Professuren eingeladen und 1986 mit dem Lindeman-Preis für ihre pädagogischen Leistungen ausgezeichnet.

Frøydis’ Name leitet sich von einer isländischen Sagengestalt ab. Während einer Kriegszeit wollte ihre Mutter ihr einen Namen geben, der mit Stärke assoziiert wird.
Heute ist ihr Name in der Welt des Hornspiels weithin bekannt, und sie zieht es vor, mit ihrem Vornamen angesprochen zu werden.

Sie ist seit vielen Jahren ein engagiertes Mitglied der International Horn Society (IHS).

Professorin

Meisterklassen

Eine Meisterklasse zu unterrichten ist etwas anderes als eine private Einzelstunde zu geben. Es ist ein Publikum anwesend, das hören muss, was vor sich geht, und seine Aufmerksamkeit muss aufrechterhalten werden.
Der Lehrer sollte weniger persönlich sein als im Einzelunterricht und darauf achten, dass er die Schwächen der Schüler nicht in der Öffentlichkeit bloßstellt. Außerdem ist die Zeit, die für jeden Schüler zur Verfügung steht, oft begrenzt.

Bereiten Sie sich so gut wie möglich vor, indem Sie das zu spielende Repertoire, den Zeitrahmen für jeden Schüler und andere organisatorische Details kennen.
Achten Sie auch darauf, dass Sie ruhig, aufgeschlossen und sensibel für die Situation sind. Stellen Sie sich mit wenigen Worten vor; jede Minute ist wertvoll. Heutzutage können sich die Zuhörer im Internet über Sie informieren, wenn sie möchten.

Fragen Sie nach dem Namen des Schülers, seinem Alter, seinem musikalischen Hintergrund und dem gewünschten Repertoire für den Unterricht.
Außerdem könnte man den Schüler bitten, vor dem Spielen zu sagen, bei was er/sie Hilfe braucht oder wünscht.
Bitten Sie schließlich darum, dass die Stunde aufgezeichnet wird

Lassen Sie den Schüler entscheiden, wie viel er anfangs spielen möchte, ohne Unterbrechung durch den Lehrer: ein Solostück, (einen Teil) eines Satzes aus einem Konzert oder einen Ausschnitt, zum Beispiel.

Frøydis emphielt, dass die Lehrkraft sich hinsetzt und sich das erste Stück anhört. In vielen Fällen empfiehlt es sich auch, die meiste Zeit zu sitzen, auch danach beim Unterrichten.
Ein großer, stehender Lehrer kann auf junge oder unsichere Schüler einschüchternd wirken.

Nach der ersten Präsentation kann der Lehrer die Schüler nach ihren eigenen Gedanken fragen: Was war an der Darbietung gut und was könnte besser sein?
Oder – nach einem realistischen Kompliment – den Schüler auf ein oder zwei Elemente hinweisen, die verbessert werden könnten.
Hoffentlich sind diese Elemente musikalischer Natur, aber manchmal kann es auch notwendig sein, technische Probleme anzusprechen.

Nun ist es an der Zeit, sich um die Herausforderungen und/oder musikalischen Entscheidungen des Schülers zu kümmern.
Hier emphielt Frøydis dem Lehrer dringend, die Anzahl der Worte, des Geplauders, der Geschichten aus dem eigenen Leben, des Namedroppings und dergleichen zu begrenzen.
Kommen Sie so schnell wie möglich auf den Punkt: Definieren Sie eines der Probleme und schlagen Sie einen Weg vor oder zeigen Sie einen Weg auf, um es zu beheben oder zumindest einen Fortschritt zu erzielen.

Nach hoffentlich guten Ergebnissen sind ein oder zwei spezifische Komplimente angebracht, bevor Sie zum nächsten Thema oder Satz übergehen.
Behalten Sie die Zeit im Auge, oft.
Eine strategisch platzierte Uhr ist besser, als ständig auf die Uhr zu schauen.
Manchmal wird dem ersten Schüler in einer Gruppe mehr Zeit eingeräumt als denjenigen, die später kommen.
Vermeiden Sie dies und halten Sie sich an einen ausgewogenen Zeitplan.

Während der Problemlösungsabschnitte/Diskussionen kann der Lehrer verschiedene Hilfsmittel einsetzen, z. B. einen Airbag oder Körpersprache (z. B. Dirigieren), oder den emotionalen Inhalt der betreffenden musikalischen Geschichte ansprechen.
Der Einsatz von Fantasie und kleinen Überraschungen kann oft zu besserem Spiel und weniger Stress führen!

Soll man mit dem eigenen Instrument vorspielen oder nicht? Es kann hilfreich und anregend für den Schüler sein, wenn der Lehrer die gute alte Kopiermethode anwendet, indem er einen Klangvorschlag oder eine Demonstration vorführt. Führen Sie aber nicht gleich eine Kopie oder Parodie der Spielweise des Schülers vor.
Dies wirkt oft herabsetzend und als Angeber, der viel besser spielt als der Schüler, was selten die beste Methode ist, um das Selbstvertrauen zu stärken.
Singen ist eine weitere Möglichkeit, Ihre Vorschläge mitzuteilen, oft besser als Worte.

Um das Interesse des Publikums aufrechtzuerhalten, kann der Lehrer gelegentlich Kommentare abgeben oder Fragen direkt an das Publikum stellen, indem er beispielsweise nach den Vorlieben für verschiedene Interpretationen fragt. Grundsätzlich ist es wichtig, deutlich und laut genug zu sprechen, ohne den Zuhörern den Rücken zuzuwenden.
Manchmal ist der Meisterkurs einer von mehreren hintereinander mit demselben Publikum.
Zum Nutzen der Zuhörer könnte der Lehrer dann kurz verschiedene technische Fragen für jeden einzelnen Schüler ansprechen, z. B. Ratschläge zur Atmung, Haltung usw.

Von Zeit zu Zeit könnten ein oder zwei Personen aus dem Publikum eingeladen werden, als Helfer mitzuwirken.
Sie könnten bei rhythmischen Fragen helfen oder sich körperlich gegen ineffiziente Gewohnheiten wehren, z. B. hochgezogene Augenbrauen, Körperhaltung, störende Bewegungen, Anspannen der Lippen beim Einatmen usw.
Eine weitere Möglichkeit, das Publikum einzubeziehen, ist das Ablenkungsspiel, das folgendermaßen funktioniert:
Der Schüler führt etwas vor, ohne aufzuhören, egal, was um ihn herum passiert. Die anderen Personen tun ihr Bestes, um den Darsteller abzulenken und so das Spiel zu stoppen.
Die Regeln sind:
Die „Ablenker“ dürfen den Ausführenden, das Instrument, die Kleidung oder die Schuhe nicht berühren und auch die Musik nicht wegnehmen. Der Interpret sollte körperlich sicher sein.

Das Lernen gelingt in der Regel besser, wenn die allgemeine Stimmung von Freude und guter Laune geprägt ist.
Der Lehrer kann die Atmosphäre in dieser Richtung beeinflussen, z. B. durch den Einsatz von Humor, wenn er sich natürlich anfühlt – allerdings ohne niedrige Witze.

Am Ende jeder Unterrichtsstunde sollte der Lehrer jeden Schüler fragen, ob er etwas gelernt hat, und mit seinen eigenen Worten erklären, was das sein könnte.
Zwischen den Lektionen oder am Ende der gesamten Unterrichtseinheit wird oft die Möglichkeit für einige Fragen aus dem Publikum geschätzt.

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Frøydis Ree Wekre